传神写意的是中国的什么？
中国艺术是抒情主义的，讲求以形写意、寓情于形；西方艺术是叙事为主的，重形象真实性，力求像实物那样具体、逼真，所以画得像不像很有市场。 在西方艺术中，文学和美术等造型艺术是相对独立的，各有自己的语言，可以互通互译。但是在中国古代，文学与美术等是没有界限的，是浑然一体的，“书画同源”就是这个意思。
早在先秦时代，中国的文人就有咏物和寄情的传统了，《诗》三百首，大部分都是文人创作的情诗。屈原的《离骚》，司马迁的《哀郢》，都是可吟可唱的抒情体例。汉代以来，文人的案头常放着书写工具，只要有感而发就能泼墨挥洒，所谓“挥毫落纸如云烟”正是这种自由抒情的写照。
中国艺术的审美取向是由文人创作的文学体裁决定的。从唐代开始，诗词格律逐渐完善，词牌曲牌形成了固定的格式，为文人抒情带来了极大的便利。他们可以根据自己的感受随意点染成词句，然后按一定的声韵要求组合起来便成了脍炙人口的好诗句。元明清三代，小说戏曲很兴盛，许多文人一边感慨人生沧桑一边学司马迁写传记，一边感叹世间不平一边学着施耐庵、曹雪芹编故事，这些作品不仅情节生动感人，而且语涉双关言语俏皮，写得多了，自然表达上就带上了小说的叙事特点，即现在人们常说的“散文笔调”。
中国的绘画同样受到文人气质的影响，强调以意为之。唐代的张彦远说“意在笔墨之外”，明代的董其昌提出“读万卷书，行万里路，胸中脱去尘浊，自然丘壑内营”，都是指绘画要表达作者的精神世界，不能受客观物象的拘束。宋代的画家文同提倡“与可画竹，无非胸中之竹也。”元代的徐渭更是怪才，他的水墨花卉不用写生，全凭想象在纸上纵横挥洒，所谓“有时烟云忽聚散，有时山木惊奔突……”明末清初的画家渐悟到作画要如同作诗一样，有主有客，有动有静，相互映衬，才能构成和谐的意境。他们或者玩起了禅机，比如清代的八大山人题画诗说“笔墨当随时代”，石涛则提出“一画之法”，或者玩起了俗理，正如现代画家齐白石所说的那些画虾、蝉、草什么的“妙在似与不似之间”……总之是越来越追求意象的鲜明，意境的深远，而不必拘泥于形似的真实。